Die Entwicklung der Audio- und Videotechnik im 20. Jahrhundert ist unglaublich. Im Audiobereich sind wir vom knisternden Ton der Schellackplatten zum digitalisierten Perfektionismus übergegangen, der es unseren Ohren nicht mehr erlaubt, störende Geräusche wahrzunehmen.
Doch unser Hörsinn hat natürliche Grenzen: Töne über 20.000 Hz nehmen wir nicht wahr, sehr leise Klänge bleiben ungehört, und zu laute Töne verursachen Schmerzen. Diese Herausforderungen prägten die Entwicklung der Tontechnik. In den Anfängen waren Frequenzgang, Rauschen und Dynamik grosse Probleme. Weder die Lautstärke noch die erreichbaren Frequenzen entsprachen den Möglichkeiten des menschlichen Gehörs.
Auf einer Schellackplatte konnte damals nur ein begrenzter Frequenzbereich (ca. 100–3.000 Hz) wiedergegeben werden. Das systembedingte Rauschen der Platte – verursacht durch die Stahlnadel des Tonabnehmers in der Rille – war störend, und auch die Lautstärke war technisch limitiert.
Ein grosser Fortschritt erfolgte in den 1950er Jahren mit der Einführung der Vinyl-Schallplatte in Kombination mit elektrischen Tonabnehmersystemen. Diese Innovation ermöglichte eine deutlich präzisere Aufnahme und Wiedergabe. Der Frequenzgang erweiterte sich, und der Begriff HiFi (High Fidelity) stand für eine aussergewöhnlich gute Klangqualität. Mit der Einführung der Audio-CD im Jahr 1983 erreichte der übertragbare Frequenzbereich erstmals die Grenzen des menschlichen Gehörs. Heute können moderne Geräte Musik in einer Qualität wiedergeben, die unsere Sinneswahrnehmung übersteigt – sowohl in Bezug auf Dynamik als auch auf Frequenzbereich. Das bedeutet, dass sich zwar die Technik weiterentwickelt, unser Gehör jedoch nicht mehr mithalten kann.
Eine ähnliche Entwicklung fand im Videobereich statt. Vom ruckeligen Schwarz-Weiss-Film bis hin zu heutigen hochauflösenden Digitalaufnahmen verging nur ein Jahrhundert. Nach dem Zweiten Weltkrieg beschleunigte sich der technische Fortschritt rasant. Heute ist nicht mehr die Technik die Begrenzung, sondern die Leistungsfähigkeit unseres Auges.
Parallel zur technologischen Entwicklung wurde auch die elektronische Klangerzeugung stetig verbessert. Die Orgel durchlief eine beeindruckende Entwicklung – von mechanischen Instrumenten zu Beginn des 20. Jahrhunderts über die ersten Versuche, Töne mit Elektrizität zu erzeugen, bis hin zur modernen digitalen Orgel.
Anfangs wurden mechanische Instrumente genutzt, um natürliche Klänge nachzubilden. Register mit Namen wie Flöte, Oboe oder Trompete gab es bereits bei Kirchenorgeln. Auch mit elektronischen Mitteln wurde versucht, traditionelle Instrumente möglichst authentisch nachzuahmen.
In den 1950er Jahren brachte die Hammond-Orgel erstmals den charakteristischen Orgelklang hervor, der bis heute als unverwechselbar gilt. Klaus Wunderlich erkannte früh die Möglichkeiten dieses Instruments und gab wertvolle Tipps zur Registrierung – etwa zur Nachbildung einer Klarinette oder Trompete mithilfe der Zugriegel.
Von 1950 bis etwa 1990 erlebte die elektronische Orgel ihre Blütezeit. Doch warum führt sie heute nur noch ein Schattendasein?
Mit jeder technischen Neuerung stieg die Begeisterung der Menschen. Jeder neue Klang wurde gefeiert, weil er besser war als alles bisher Dagewesene – ein Wandel, der sich auch in den Schallplattenaufnahmen von Klaus Wunderlich nachvollziehen lässt.
Parallel zur Klangentwicklung wurden immer mehr elektronische Spielhilfen wie Schlagzeug- und Begleitautomatik eingeführt. Dies machte die Instrumente kompakter und transportabler. Der Markt boomte – von grossen, teuren Geräten hin zu kleinen, günstigen Alternativen. Doch auch die Klangqualität litt unter diesem Wandel. Wer erinnert sich nicht an die Casio-Mini-Keyboards der 1970er Jahre?
Klaus Wunderlich betonte einst: „Ich benutze keine Computer, um Musik zu machen. Ein Computer hat keine Seele.“
Mit der Digitaltechnik wurde es möglich, durch Sampling nahezu jeden erdenklichen Klang in höchster Qualität zu erzeugen. So entstanden Instrumente, die nahezu alles nachahmen können – vom Klavier bis hin zur kompletten Orchesterbesetzung. Ein Beispiel für diese Entwicklung ist der Hohlraumklang moderner Orgeln. Vom ersten Klavierklang der Wersi W248S bis zum Pianostar vergingen nur 15 Jahre – heute klingt ein Klavier auf einer Orgel wie ein echtes Klavier.
Als Beispiel ist hier die Entwicklung des Klaviers auf der Orgel in 100 Sekunden zu hören:
- Wersi Piano, W248S, ca. 1975 (0:00 - 0:25)
- Wersi Piano, Helios, ca. 1985 (0:25 - 0:50).
- Wersi Piano, Spectra, ca. 1995 (0:50 - 1:15)
- Physikalisch modelliertes Klavier, Moddart Pianoteq 6, ca. 2020 (1:15 - 1:40)
Mit all diesen technischen Fortschritten ging jedoch die menschliche Seite der Musikproduktion zunehmend verloren. Heute spielt es kaum noch eine Rolle, ob ein Schlagzeuger eine Aufnahme begleitet oder ob dieser Part von der Elektronik übernommen wird. Das Gleiche gilt für viele andere Instrumente.
Die Orgel, wie Klaus Wunderlich sie spielte, existiert heute kaum noch – nicht, weil sie technisch überholt wäre, sondern weil ihre klangliche Identität verloren ging. Mit heutigen Instrumenten kann man alles nachahmen, aber nichts wirklich Neues erschaffen. Wenn eine Aufnahme genauso klingt wie ein echtes Orchester, warum sollte man dann nicht gleich das Original hören?
Was bleibt, ist die Essenz des Orgelklangs – der unverkennbare Hammond-Sound. Dieser Klang ist heute so charakteristisch wie damals und bei Fans nach wie vor beliebt. Alles andere hat leider an Bedeutung verloren.
Für Orgel-Enthusiasten ist es traurig zu sehen, dass die Orgel heute fast nur noch als Museumsstück wahrgenommen wird. Wie soll man beispielsweise eine Flöte oder Trompete auf einer Orgel registrieren, wenn der Hörer keinen Unterschied mehr zum Original erkennen kann?
Die Technik hat die Musik verändert – doch ob sie sie auch verbessert hat, bleibt eine Frage der Perspektive.
«Die Musik von Klaus Wunderlich ist „Zeitgeschichte“.»
Wikipedia: Elektronische Orgel